CARATTERE è una parola dai mille significati; tratto distintivo, proprietà di un ente, simbolo grafico. Quello che più mi affascina e che riassume tutti gli altri è IMPRONTA.
Immagino il carattere come un segno lasciato sulla sabbia, che svanisce all’arrivo dell’onda. Ciò che si mostra agli altri, quasi in modo inevitabile, e che non lascia mai una traccia perenne, perché rimane sempre dentro di noi.
Il carattere è qualcosa che ognuno possiede, ma che solo in pochi sanno interpretare.
Tra questi ci sono coloro che stanno sul palco, dietro il sipario, aspettando di dare vita al proprio personaggio.
Nel teatro si parla di caratterizzazione per indicare il modo in cui un attore interpreta un ruolo lasciando la propria impronta e per farlo al meglio deve essere attento ad ogni dettaglio.
COME SI MOSTRA IL CARATTERE?
Partiamo dalla voce, dimenticandoci per un attimo le parole incise nel copione. Il sistema vocale infatti rientra nella comunicazione non verbale se si considera il tono, l’intensità e il tempo. Serve modulazione quando si recita, non basta conoscere le battute a memoria. Questo perché la voce non esprime solo concetti, ma anche emozioni e non è da sottovalutare. Bisbigliamo se siamo tristi, cantiamo per esprimere felicità, usiamo una voce sottile per la paura e una marcata per la rabbia.
Essenziale per gli attori è il sistema cinesico, l’insieme dei movimenti di corpo, volto e sguardo. Essenziale perché il pubblico osserva i personaggi anche quando sono in silenzio. Se la regola d’oro per imparare a recitare è esercitarsi allo specchio, il motivo è proprio l’importanza che assume il linguaggio del corpo. È necessario calibrare i gesti, stare attenti alla postura e all’andamento, mostrare l’intensità dello sguardo anche a chi si trova in ultima fila. Si può dire quindi che il teatro insegna a lasciarsi andare cautamente, restando sempre vigili.
COME SI INTERPRETA UN PERSONAGGIO?
Non esiste una
risposta precisa a questa domanda, ma diversi stili di insegnamento.
Uno di essi è il metodo Stanislavskij, tecnica basata sull’approfondimento psicologico del ruolo e sulla somiglianza tra l’interiorità del
personaggio e quella dell’attore. La parola chiave secondo il regista russo è “immedesimazione”, ottenuta da un’analisi
precisa delle emozioni. Fondamentale inoltre il sottotesto, ovvero l’implicito dello scritto drammaturgico, ciò che sta dietro le parole.
Al contrario, il metodo Brecht si fonda sul concetto di “straniamento”, negando la totale trasformazione con il soggetto e studiandolo dall’esterno. L’obiettivo diventa evidenziare la rappresentazione in sé, in particolare la sua artificiosità attraverso una recitazione esagerata; insomma mostrare un teatro trasparente.
Quindi se con l’immedesimazione lo spettatore era esposto ai sentimenti suggeriti dalla scena, con il teatro epico di Brecht il pubblico mantiene l’attenzione e non si lascia trasportare del tutto.
Le tecniche di recitazione non finiscono qui, ce ne sono molte, moltissime altre. Strade diverse che portano ad un unico traguardo: trasmettere emozioni.
Victor Hugo diceva che il teatro non è il paese del reale, ma il paese del vero. Dopo tutto aveva ragione, perché dietro quei personaggi, dietro quelle maschere invisibili ci sono cuori che battono, ci sono caratteri autentici che possono essere “interpretati” solo da chi li possiede.